Uno, nessuno, centomila: non è solo un romanzo di Pirandello ma anche la retrospettiva della fotografia newyorkese Cindy Sherman, inaugurata il 26 febbraio al MoMA e aperta fino all’11 giugno 2012. Una nobile donna dell’aristocrazia, una Madonna, un frate, un clown, una pornostar: quante cose può essere Cindy Sherman e in quante cose è stata in grado di trasformarsi nei suoi 35 anni di carriera?

Artista americana, nata nel New Jersey e cresciuta a Long Island, Sherman si è resa presto nota al grande pubblico per la sua personale, violenta quanto onesta, rappresentazione della realtà. Gioca con le immagini e con le sue rappresentazioni, banalizza la fotografia e il concetto di istantanea, crea una parodia di realtà ricomposta “in laboratorio” – il suo studio – criticando la cultura dell’immagine che diviene tirannia, rendendo ogni intuizione artistica già  “calcolabile” in partenza. Niente di nuovo, insomma. E la cultura si fa retorica.

Entrando nel grande atrio del museo, curiosando con lo sguardo verso l’alto, si nota subito una luce proiettata sul muro, al sesto piano. Ricompone il nome dell’artista mutando il carattere tipografico: ora Arial, ora Verdena, ora corsivo, ora grassetto. “Cindy” cambia senza posa, un espediente luminoso che preannuncia le forme, gli sguardi e i corpi che la Sherman può incarnare.

Non siamo al cospetto (solo) di una fotografa: Sherman è anche attrice, modella, truccatrice, regista, costumista, artista a tutto tondo. Si pone da entrambe le parti dell’obiettivo, guarda e si fa guardare.

Lavora nel suo studio di SoHo in totale autonomia, senza assistenti. “Ho provato a lavorare con amici e parenti, a metterli davanti all’obiettivo, ma, anche se pagati, rimane la sensazione di doverli intrattenere. Lavorando da sola, invece, posso pretendere di più da me stessa, posso mettermi sotto pressione. E in più io non mi lamento.” è il commento della fotografa.

Sherman inizia la sua carriera artistica 35 anni fa, partendo da un compito assegnatole al College: “Confrontarsi con qualcosa di difficile, era l’esercizio richiesto. Feci una serie di scatti di me stessa, nuda, davanti all’obiettivo”. Da lì non ha più smesso di reinventarsi. “Trasformavo il mio volto e il mio corpo in quello di vari personaggi, con trucchi e maschere, per ingannare il tempo”. Un gioco, che ben presto si spinge oltre i confini dell’autorappresentazione per aprirsi ad un’osservazione e ad una critica della realtà.

Ad aprire la mostra, gigantografie stagliate su uno sfondo bucolico – è Central Park – in bianco e nero: un giocoliere di strada, un cavaliere nudo, una damigella, una matrona. Ognuna di esse ha il volto di Sherman, ritoccato al computer: occhi più piccoli, nasi schiacciati, menti allungati. E’ l’ultima delle sue creazioni, e più che di autocelebrazione, si tratta di critica al mondo artistico cui appartiene:

“Un numero crescente di artisti maschi, quando invitati ad allestire le mostre, riempie spesso una parete con opere giganti”. Atteggiamento pretenzioso, soluzione facile. Le artiste donna farebbero lo stesso?

Addentrandosi nella mostra troviamo Untitled Film Still, la prima “serie”, datata 1970. Un grande successo di pubblico e critica, tanto che Madonna finanziò l’esposizione al Museo di Arte Modena di New York nel 1977.

Uno accanto all’altro, esposti in cornici nere, gli scatti di Untitled Film Still sembrano negativi di una pellicola srotolata, uno sguardo rubato ad una scena di un film anni ’70, istantanea densa di autenticità. Niente di tutto questo. Gli scatti riproducono infatti scene tratte da film inesistenti, esaminano la natura stessa della rappresentazione, l’artificio della fotografia e quel filtro culturale attraverso cui leggiamo una parte di storia (reale e cinematografica).

Sono tutte Untitled (come del resto tutti gli altri scatti delle altre serie) per non condizionare lo spettatore in una interpretazione che deve rimanere libera. Ma c’è di più: l’immagine è spersonalizzata, ogni riferimento reale perso. Sherman vuole riprodurre un fenomeno: la forza di un immaginario collettivo formatosi con il cinema americano anni ’70. Quasi uno “stereotipo fotografico” della produzione su pellicola.

Sullo stesso leitmotiv si muovono gli scatti di Centerfolder: immagini di fanciulle dalle pagine di playboy ricreano una parodia della rappresentazione erotica anni ’80.

Le protagoniste – sempre e solo Cindy Sherman declinata in molteplici versioni – mostrano un’ampia gamma di sentimenti: sorpresa, spavento, pudore, malinconia. Le foto sono seducenti e ansiogene al tempo stesso. L’alienazione delle donne si accresce nel dramma di ogni scatto. L’atto di fotografare e guardare coincidono, e lo spettatore si sente testimone di un momento di vita privata, che nella sua drammaticità dovrebbe rimanere tale.

La serie successiva svela un punto di rottura: Sherman scompare dal quadro. Secrezioni, muffe, escrementi, liquidi, fanno parte della serie Disaster (1986-89). In Sex Pictures (1992) il corpo, quando c’è, è frantumato, scomposto e ricomposto, secondo una sintesi pornografica. Ma le foto più spinte non sono appese alle pareti del MoMA.

Incontrando Clown mostruosi e personaggi sognanti dalla serie Fairy Tales (1985), si arriva al cospetto di History Portraits, una delle serie più sorprendenti della Sherman. Attingendo alla pittura del Rinascimento, Barocca e Roccocò, avvalendosi dell’uso di protesi e maschere, Cindy si reinventa Fornarina di Raffaello o un Bacco caravaggiesco; è una dama stanca di Ingres, un mercante disincantato di Rembrandt.

Ma è con la serie dei Ritratti di Hollywood che Sherman centra il bersaglio: attraverso la parodia di attrici, modelle, cantanti, troppo truccate e vittime della loro stessa fragilità, il ciclo dei desideri e delle ambizioni fallite che anima Hollywood è messo in mostra. Le protagoniste scadono nel ridicolo, ma un attimo dopo se ne avverte il dramma, in una fiera delle vanità in perpetuo divenire.

Chiudono il cerchio i Ritratti di signore, trucco pesante e pesanti gioielli. La giovinezza sfiorisce, si sa, ma il tentativo di contrastare il tempo si rivela un maestoso inganno. Le rughe si accentuano, la pelle si affina. Si intravedono spesse calze coprenti spuntare da ciabattine rosa di seta. Sotto spessi strati di cipria queste donne non sorridono. Ne la Sherman ride di loro. Non è la vecchiaia a spaventare, ma l’inesorabile, volgare opposizione che queste donne cercano di attuare disperatamente nei confronti della morte.

:: Milano versus New York: chi vince? Che cosa importeresti a Milano da New York? E viceversa?

A NYC le relazioni nascono spontanee, gli stimoli sono continui e la mente corre.
A Milano i legami sono più profondi e sinceri, i ritmi e gli spostamenti a misura d’uomo. L’ideale sarebbe vivere un po’ a Milano e un po’ a NY. Difficile? Forse… ma non impossibile.

Pietro Baroni

Coordino un team di otto persone che lavora al design e produzione del sito web del MoMA, chioschi interattivi, schermi digitali e applicazioni su supporti mobili. Di recente abbiamo contribuito all’organizzazione degli aspetti più tecnici della mostra Talk to me, l’ultima mostra di design che ha inaugurato la scorsa settimana sull’interazione tra persone ed oggetti. Sto anche lavorando alla costruzione di un sito solo per i soci del museo, e alla creazione di una piattaforma collaborativa per un magazine online sull’arte contemporanea che sarà ospitato sul sito del MoMA. Ormai anche ogni aspetto del museo è collegato in qualche modo al digitale, quindi nel nostro dipartimento non ci si annoia mai.

photo credit: Todd Shalom / Tutti i diritti riservati a Elastic City

:: Quale sezione del MoMA non ti stanchi mai di rivedere?

Le sezioni di fotografia e design, perchè ci sono sempre rotazioni di nuove opere e ogni volta che riesco a fare un salto nelle gallerie trovo lavori che non conoscevo. Solo il 4% delle opere nella collezione del MoMA sono esposte nel museo.

:: Fai parte anche del collettivo artistico l-i-n-e-a-r-o-s-s-a. Ce lo presenti?

l-i-n-e-a-r-o-s-s-a nasce dall’incontro con Francesca Divano e Sara Pettinella, come risposta ad un bisogno di proporre nuove prospettive artistiche attraverso un filo di idee e azioni che includono performance, installazioni, opere visive, installazioni di cibo, aperte a diverse variazioni a seconda delle materie, contesti, e condizioni. Si è appena conclusa una doppia rassegna di screenings intitolata Tempo scaturita da una riflessione sui ritmi della città. Ospiti della .NO gallery, abbiamo proiettato sulla vetrina della galleria su Houston Street video di artisti italiani e americani, e abbiamo invitato performers e musicisti a partecipare alle opening, per cui abbiamo creato delle food installations ad hoc. Abbiamo curato poi Contemporary Alchemy con opere di Andreco. La mostra, che chiuderà a fine mese, è incentrata sul rapporto tra uomo, natura e sui suoi rituali.

:: Progetti futuri?

Continuare a cercare un equilibrio tra progetti professionali e personali. Sicuramente ho intenzione di continuare a sviluppare collaborazioni per progetti creativi sul territorio. New York è il luogo ideale per sperimentare modalità creative e di collaborazione che sembrerebbero impossibili in altre città. In particolare perchè attrae le energie di artisti che se anche di passaggio da ogni parte del mondo hanno voglia di lasciare la loro impronta sulla città. Oltre al desiderio di creare un senso di comunità seppure temporanea e nomade, mi piacerebbe anche mantenere il confronto con l’Italia, magari organizzando una seconda residenza di artisti internazionali in Italia.

:: Che cosa hai pensato la prima volta che hai visto New York?

Che sarei dovuta ritornarci, questa volta a viverci, perchè è evidente che New York è un esperimento sociale incredibile, una città densa, piena di contrasti, di luoghi e persone eccezionali in ogni senso. Un anno vissuto a New York equivale a cinque in qualsiasi altra città.

:: Il tuo fine settimana ideale a New York?

Visto che durante la settimana i ritmi sono così intensi, il fine settimana preferisco trascorrerlo nel relax, un caffè o un brunch con un’amica e magari un pic nic nel tardo pomeriggio a Governors island. Anche se è vicinissima a Manhattan, prendere la ferry è già un po’ come andare in vacanza.

photo credit: Todd Shalom / Tutti i diritti riservati a Elastic City

:: Posto preferito?

Senza dubbio Coney Island, perchè è un luogo unico con quello che rimane della sua storia recente, luogo natale dei primi parchi di divertimento negli anni venti, e allo stesso tempo è il luogo americano per eccellenza, con i suoi contrasti estremi e l’accettazione di tutto ciò che è strano e fuori dalle norme. E’ un posto così importante per me, che ho deciso di organizzare un walk con l’organizzazione Elastic City, proprio a Coney Island, sul tema delle ombre.

photo credit: moma.org

Abbiamo deciso di proporvi i migliori bigliettini scritti dai nostri connazionali. Come diceva Marcel Duchamp: “It is the spectators who make the pictures.”. Ogni anno al MoMA passano più di tre milioni di persone da più di cento paesi nel mondo: è incredibile e allo stesso tempo emozionante leggere così tante storie diverse… Enjoy!

Carlo Aonzo è un mandolinista di fama internazionale ed è il principale esponente del mandolino classico.
Pizburg ha avuto il piacere di incontrarlo dopo il suo meraviglioso concerto.

:: Benvenuto su Nuok, Carlo! Come è nata la tua passione per il mandolino?

Me l’ha trasmessa mio papà, che è un mandolinista, e non è una cosa strana perché la passione per il mandolino l’abbiamo tutti nel nostro DNA. È uno strumento diffusissimo, tanto che anche la nostra regina Margherita era una mandolinista. Era molto diffuso in tutte le classi sociali, ci si metteva insieme perché lo strumento ha un approccio abbastanza semplice e si formavano orchestre mandolinistiche.

Ho iniziato verso i 10 anni e le circostanze sono abbastanza carine perché mio papà, appassionato musicista, molto in gamba, ma non di professione, a quel tempo suonava sempre in casa e noi figli avevamo voglia di imparare, ma lui non ci avrebbe mai insegnato se non avessimo organizzato una specie di scuola musicale in casa nostra. Quindi l’abbiamo organizzata e l’anno dopo abbiamo cominciato ad insegnare quello che avevamo imparato, per cui a casa nostra, il sabato pomeriggio, che era il giorno della musica, non si poteva più entrare dalla gente che c’era, venuta ad imparare il mandolino e chitarra. Da lì pian piano mio papà ha riformato una orchestra mandolinistica e così sono cresciuto facendo musica in una orchestra e da lì siamo andati avanti.

:: Hai istituito la International Mandolin Academy. Quando e come è nata?

Questo progetto è nato nella mia città, a Savona, ed è nato dalla spinta che io ho sempre ricevuto andando in giro per il mondo perché non c’è tantissima offerta mandolinistica. Ci sono tantissime persone che sentono il bisogno di imparare a suonare il mandolino, ma nessuno glielo insegna, non ci sono orchestre e mancano punti di riferimento, per cui sempre mi chiedevano come poter fare per imparare. Poi quelli che suonano il mandolino qui in America sono soprattutto musicisti folk, e invece loro avevano l’esigenza di conoscere e suonare il mandolino classico, lo stile che suono io e per il quale mi sono diplomato al Conservatorio. Quindi da queste continue richieste ho deciso di organizzare una settimana di mandolino italiano nella mia città e ha avuto subito un grande successo. Si è sviluppato e poi abbiamo deciso di portare il corso nei luoghi di produzione mandolinistica, per cui da Savona ci siamo spostati nel Canton Ticino dove c’è una grandissima attività mandolinistica e quest’anno, l’ultima settimana di agosto, saremo nella città di Ferrara, dove c’è un’orchestra storica che ha più di 100 anni di storia e dove ancora oggi l’attività mandolinistica è molto viva.

:: Intorno a questo corso è nata poi l’Orchestra dell’Accademia Internazionale di Mandolino. Portate in giro per il mondo un nuovo reportorio, più contemporaneo e sperimentale, della musica con il mandolino. Quanto è difficile sradicare l’idea della musica classica napoletana?

Suoniamo un po’ tutti i repertori focalizzandoci soprattutto sulla musica originale, per accrescere l’identità dello strumento, per cui quest’ultimo album lo abbiamo dedicato esclusivamente a brani contemporanei, musica moderna scritta appositamente per quella formazione, per orchestra di strumenti a pizzico, quindi mandolini e chitarre.
A dire il vero, in America è ben più facile che in Italia, perché in Italia c’è questo stereotipo continuamente richiamato, che invece di valorizzare le cose belle che abbiamo le denigra. Nonostante ci siano case di mandolino e molti studenti è ancora una bella sfida.

:: Sei un artista conosciuto a livello internazionale. Tieni concerti e workshop ovunque. Hai riscontrato delle differenze nella ricezione di questa musica nei vari Paesi?

Certamente. Negli Stati Uniti c’è molta apertura, sono ricettivi come i bambini. Sono molto apprezzato qui negli Stati Uniti perché non c’è preclusione, mentre in Italia, essendo uno stereotipo, è più difficile bucare la bolla in cui siamo, però comunque ho molte soddisfazioni anche in Italia. Il Giappone, invece, è forse il paese che ha più attività mandolinistica al mondo, conta un milione di mandolinisti ed è l’unico paese che ha mantenuto la tradizione italiana. Lì non hanno inventato nessun altro mandolino, hanno adottato quello italiano e hanno acquisito i nostri archivi che da noi erano lasciati andare, nessuno se ne stava occupando. Loro sono venuti qua, hanno preso tutto il materiale e infatti oggi se noi possiamo suonare tanta musica italiana originale per mandolino del passato, parliamo di fine ‘800 e inizio ‘900, lo dobbiamo agli archivi giapponesi che hanno conservato questo patrimonio. Pensa che tutto il materiale che era a Firenze e che è stato poi distrutto dall’alluvione fortunatamente era stato portato in Giappone, per cui è stato salvato.

:: Come è nata la collaborazione con la Pittsburgh Mandolin Society?

In America c’è la Classical Mandolin Society of America (CMSA) che organizza ogni anno in una città diversa del Nord America una convention ed io ho partecipato a diverse di queste convention e sono stato invitato a dirigere l’orchestra composta da tutti i partecipanti. Alla Convention a Philadelphia ho conosciuto Charlie Rappaport, il leader della Pittsburgh Mandolin Orchestra. Ma la prima volta che sono venuto a Pittsburgh è stato grazie al Consolato Italiano e al Console Onorario Carla Lucente; da lì poi è nata l’idea di collaborare con Charlie Rappaport, grandissimo musicista che ha preso come punto di riferimento me per lanciare il messaggio alla sua orchestra dello sviluppo del mandolino classico e dell’orchestra mandolinistica. Per questo mi invita regolarmente a condividere con loro la musica e questa volta gli ho portato tutta l’orchestra e per questa occasione hanno inventato il primo Festival Mandolinistico di Pittsburgh che sicuramente andrà avanti tutti gli anni.

:: Hai suonato anche al Metropolitan Museum di New York. Com’è stata l’esperienza?

Ho suonato lì perché c’è una mostra della liuteria italiana ed è intitolata “Guitars Heroes” perché i collezionisti che hanno fornito gli strumenti hanno queste chitarre bellissime, strumenti incredibili, chitarre costruite a mano da John D’Angelico, John Monteleone e James D’Aquisto. Sono nomi molto noti ai musicisti, John Monteleone è, infatti, il liutaio di Mark Knopfler. Lì al museo ho suonato per raccontare la storia del mandolino emigrato in America. Questa è un’altra grande storia perché quando c’è stata l’emigrazione degli Italiani, loro si sono portati gli strumenti ed è iniziata una tradizione enorme in America. Gli Americani hanno inventato una nuova forma di mandolino, quello Gibson. Il mandolino è entrato nella tradizione, ha un suo genere particolare e adesso anche loro hanno una più che centenaria storia del mandolino. Il mandolino ha la caratteristica di trasformarsi, infatti ci sono diverse forme di mandolino in ogni paese. In Russia c’è la dombra, in America il Gibson e in Sudamerica il bandolim.

:: Sei stato varie volte a Pittsburgh. Qual è il tuo posto preferito?

La Prima Espresso perché è un luogo di salvataggio. Sembra di essere in Italia, bere un espresso al banco ti rinfranca lo spirito. Ogni giorno scrivono una frase in Italiano, senti le persone parlare in Italiano, è una cosa intensa.

:: Posto preferito a New York?

Un luogo che mi ha colpito molto è il negozio di chitarre Rudy’s Guitar, che tra l’altro è un Italiano, Rudy, Rodolfo, Pensa. Ha due negozi e in quello di Soho sembra di entrare in una boutique, che però vende chitarre. Merita di essere visitato.

:: Quali sono i tuoi progetti futuri?

Adesso inizia la tournée nella West Coast e presenteremo il cd “Fantasia Poetica”, sul repertorio per mandolino e pianoforte, che ho realizzato con la pianista Elena Buttiero. Finita la tournée si torna a casa, ci sono un po’ di concerti e ho da finire un paio di progetti discografici, uno su Paganini con chitarra e l’altro progetto si chiama “Mandolin Cocktail”, che mi sdogana dalla musica classica. In questo caso sono io che ricevo le influenze della musica estera, del Nord America, del Brasile e le porto in questo progetto con una band, un percussionista, un contrabbasista, un chitarrista swing. È un progetto musicale che serve per raccontare la storia del mandolino in giro per il mondo, quindi suoniamo tutti i generi in cui il mandolino è presente.

credits:
Foto by Luigi Cerati – Osteria dell’immagine, Italy
Video by Gary Payne, San Diego

Sono gli anni del cubismo sintentico per Picasso. La “sintesi” inizia ad introdurre progressivamente lettere stampate, listelli di legno e di altri oggetti in tromp-l’oeil, attraverso collages e papiers collés – che si presentano come autentici brani di realtà integrati al quadro.

Quello al MoMA in questo periodo è un Picasso davvero curioso ed inedito. Le forme trovano ispirazione nell’arte popolare, la prospettiva viene abolita, le forme frammentate. Questi strumenti musicali rappresentano un insieme di volumi, di linee di forza, ed esprimono l’aspetto profondamente ritmico dell’estetica cubista, in cui le vibrazioni e le risonanze sono latenti.

Non a caso, la chitarra è lo strumento preferito di Picasso, forse proprio perché le sue curve ne fanno un prolungamento del corpo umano. All’interno della sala dedicata non potrete fare fotografie, ma non temete: anche per questa esposizione c’è un sito web interattivo dedicato, dove potrete consultare e conoscere tutte le opere.

Ecco il nostro quadro preferito: Student with a pipe.

Al secondo piano, il museo dedica un’altra mostra sulla musica: Looking at Music 3.0. Come per Picasso, anche questa sala rimarrà aperta fino al 6 giugno 2011. Si tratta della terza di una serie di mostre allestite per esplorare l’influenza della musica sull’arte contemporanea – concentrandosi soprattutto sulla New York degli anni ‘80 e ‘90 e la nascita della “cultura del remix“.

E’ una mostra divertente, colorata ed interattiva. Beastie Boys, Kathleen Hanna e Le Tigre, Keith Haring, Miranda July, Christian Marclay, Steven Parrino e Run-DMC sono solo alcuni dei nomi che troverete in questo spazio.

Video, vinili, suoni, fanzine musicali…

Da provare l’installazione musicale “a codice a barre”. Come nei supermercati, passate il laser rosso sui codici disposti sul piano orizzontale. Potrete comporre la vostra colonna sonora “casalinga” con tutti i rumori degli elettrodomestici della cucina – dal frullatore alla macchinetta del caffè.

Mancano pochissime ore al giorno più zuccheroso dell’anno. Abbiamo cercato di immaginare una giornata perfetta per innamorati nella City. Potrete usare i nostri consigli domani o in qualsiasi altra giornata romantica con il vostro lui o la vostra lei. Da dove iniziamo? Ovviamente con una cupcake della pasticceria più buona di Manhattan.

Ore 10 Colazione da Magnolia Bakery
+ tour romantico al MoMA

Per una volta non vi consigliamo la sede di Magnolia del Village, bensì quella più rilassante ai piedi del Rockfeller Center. C’è molto più spazio per muoversi all’interno del locale, più scelta tra i dolcetti e soprattutto la possibilità di fare qualche assaggio gratuito di mini porzioni delle celebri tortine newyorkesi.

In questi giorni oltre alle classiche cupcakes…

… sono entrate nel menù molte altre prelibatezze, come i baci meringati farciti di crema, tortine ricoperte di cioccolato caldissimo e whoopie pies a forma di cuore. Pensate che proprio quest’anno, per la legislatura del Maine questo dolce è ufficialmente diventato il dessert di Stato: nel “An Act to Designate the Whoopie Pie as the State Dessert” si legge a chiare lettere che “The whoopie pie, a baked good made of two chocolate cakes with a creamy frosting between them, is the official state dessert.”

Dopo la deliziosa carica di zuccheri mattutina, proseguite per qualche strada più su verso l’intramontabile MoMA. I biglietti – per la modica cifra di 200 dollari – per il tour privato per le coppie alla scoperta dei capolavori che parlano d’amore sono sold out da settimane, ma potrete rimediare costruendovi un percorso del tutto personalizzato.

Mano nella mano godetevi i colori di Dance di Henri Matisse, dei Water-Lilies di Claude Monet e della The Starry Night di Vincent van Gogh – fino ai quadri più pop come LOVE di Robert Indiana.

Le nostre preferenze vanno a Willem de Kooning con Valentine, Ken Solomon con Love Letter (nella foto qui sotto), Odilon Redon con Butterflies, ed Andy Warhol con Kiss. Cercateli!

Una volta terminata la vostra visita al MoMA potrete entrare nel negozio di fronte, dove troverete una selezione di oggettistica di alto design per innamorati. Ecco qualche esempio!

Ore 14 Brunch da Café Kristall
+ shopping a Melburry Street, NoLita

Evitate l’affollatissima Fifth Avenue per il vostro shopping di coppia, e preferite la più tranquilla NoLita. Qui le catene multinazionali sono pochissime; al contrario i negozi monomarca newyorkesi abbondano.

Ma prima di iniziare a curiosare tra i negozi alla ricerca dell’affare della vostra vita, concedetevi uno spuntino sfizioso per il brunch in uno dei locali più esclusivi della zona: il Cafe Kristall. Il locale si trova al 70 di Mercer Street ed è accessibile anche attraverso la boutique SWAROVSKI CRYSTALLIZED™ dal numero 499 di Broadway.

L’atmosfera è raffinatissima ed i piatti sono molto ricercati. Il menù speciale per San Valentino arriva a costare 85 dollari a persona, ma per un brunch veloce ve la caverete con molto, molto meno!

Ne uscirete senza dubbio soddisfatti. Riguardo ai negozi, la nostra Stefania vi aveva dato un’idea di cosa potreste trovare in questo quartiere.

Il nostro consiglio, per lui e per lei, è il negozio Shoe. Troverete borse, portafogli, scarpe e cinture in pelle che fanno invidia ai grandi marchi di moda.

Ore 20 Cena da Fiore Restaurant
+ vista di Manhattan dal parchetto

Si è fatta ora di cena. Da Manhattan spostatevi verso Brooklyn, con la linea grigia L – fermata Bedford. Benvenuti a Williamsburg, il quartiere più hipster di New York.

Bedford Avenue è l’arteria principale del quartiere, ricca di negozi e caffè. Spostandovi di qualche blocks, arriverete a Grand Street. Raggiungete il numero 284: eccoci al ristorante italiano preferito di Nuok, FIORE.

Vi ricordate la prima volta che ve ne abbiamo parlato, un anno fa? ; )

Per San Valentino è previsto un menù speciale, ma nulla vi vieta di scegliere direttamente dalla carta. Il nostro suggerimento? Fedelini ai frutti di mare ed orata con carciofi. Divino!

Dopo cena, regalatevi una passeggiata lungo Grand Street, andando verso l’East River. Alla fine della strada troverete un parchetto molto intimo dove rimanere incantati davanti una Manhattan luminosissima. Ecco lo scenario perfetto per un bacio appassionato!

Ore 22 After da ChikaLicious Dessert
+ passeggiata lungo St. Marks Place

Se siete riusciti nell’impresa quasi impossibile di non provare il tiramisù o la torta al limone di Fiore, allora la nostra ultima tappa è perfetta per voi. Si torna a Manhattan, nel cuore dell’East Village.

ChikaLicious Dessert chiude relativamente presto ma è il posto ideale per una coppia in cerca di un posto intimo, elegante e con dolci e vini squisiti. Con un prezzo fisso di 14 dollari (dessert principale, bicchiere di vino e tre mini porzioni di dolcetti sfiziosi) avrete la possibilità di provare una delle loro combinazioni, seducenti per occhi e palato.

Guardate che meraviglia questa incredibile cheesecake appoggiata su un letto di ghiaccio, accompagnata da un Alvear Pedro Ximenez. Se non bevete alcoolici, nessuna paura: potrete chiedere un té caldo, che vi verrà servito in raffinatissime porcellane.

Avete ancora energia in corpo? Non vi rimane che esplorare la vivace zona di St. Marks Place: avrete l’imbarazzo della scelta per quanto riguarda i locali notturni! Buona festa degli innamorati!

Kaki King torna alle sue radici con un tour acustico in tutto il Nordamerica. Prima di diventare famosa, infatti, si esibiva nella metropolitana di New York. Negli ultimi anni, tra le altre cose, ha collaborato coi Tortoise ed è stata inserita tra i Guitar Gods da Rolling Stone. La sua evoluzione è culminata in un album del 2010, Junior, interamente suonato da un trio.

Per il tour 2011 invece ha deciso di tornare all’essenziale: lei e la sua chitarra. Farà tappa a NYC il 23 febbraio 2011 al Celeste Bartos Theater del MOMA, mentre il 7 e l’8 aprile 2011 sarà alla City Winery. Tutte le date del tour sono su questa pagina.

Gli appassionati di chitarra possono discutere direttamente con lei sul suo blog o sulla sua pagina Facebook.

E badate che non è detto che Warhol non avrebbe approvato, vista la sua fascinazione per tutto l’universo del POP e dei media. Ma forse un modo migliore per  rendere omaggio a questo suo statement, senza destituirlo così brutalmente dell’aura artistica che gli dovrebbe esser propria, c’è. Il bello è che, pur essendo estremamente ufficiale, è aperto a tutti.

Si tratta di un progetto organizzato dal Moma per la mostra Andy Warhol: Motion Picture – fino al 21 marzo 2011 – realizzata per celebrare le incursioni dietro la macchina da presa dell’artista biondo platino. L’idea è semplice: tutti i fan di Warhol sono invitati (dal MoMA!) a realizzare uno screen test in bianco e nero di 90 secondi e di uploadarlo poi sul sito della mostra.

Non dovete parlare e vi potete bardare con occhiali da sole, cappelli e ciglia finte. Se state fermi immobili meglio: lo screen test serve a verificare la cinematografibilità del vostro volto. Non c’è una selezione: tutti i video finiranno automaticamente sulla opening page del sito, accanto a quelli delle celebs con cui Warhol ha lavorato, da Edie Sedgwick a Dennis Hopper.

Altro che isola dei famosi.

Da domani 3 ottobre 2010 al 25 aprile 2011 potrete visitare al MoMA di New York un’interessantissima mostra dedicata all’espressionismo astratto newyorkese. Noi di Nuok, grazie alla nostra membership con il museo, l’abbiamo visitato in anteprima per voi! Ecco il nostro reportage fotografico.

L’Espressionismo astratto è stato un movimento artistico statunitense successivo alla seconda guerra mondiale. Fu il primo fenomeno artistico tipicamente americano ad influenzare il resto del mondo e contribuì a spostare radicalmente la capitale artistica da Parigi a New York, e più in generale dall’Europa agli Stati Uniti d’America.

Il New Deal americano, che coincise con la diffusione delle dittature europee (il fascismo in Italia, il nazismo in Germania e il franchismo in Spagna), aveva favorito l’immigrazione degli artisti in fuga dall’Europa che portarono negli Stati Uniti cellule di ogni tendenza: Il Cubismo muralista con Léger, il Dadaismo con Duchamp, Mondrian e Hans Hofmann, l’Astrattismo con Albers…

…il Realismo con Grosz, il Razionalismo architettonico con Ludwig Mies Van der Rohe e soprattutto il Surrealismo, che viene spesso considerato il più importante predecessore dell’espressionismo astratto, grazie all’enfasi posta sulla creazione spontanea, automatica o subcosciente.

Il dripping (in inglese: sgocciolatura) di Jackson Pollock su una tela di canapa stesa sul pavimento è infatti una tecnica che ha le sue radici proprio nel lavoro di Max Ernst.

Il termine “Espressionismo astratto” si deve ad Alfred H. Barr Jr. che lo coniò nel 1929 a commento di un quadro di Vasily Kandinsky. Successivamente fu ripreso per essere applicato all’arte americana degli anni ’40 dal critico Robert Coates nel 1946.  Il movimento prende il suo nome dalla combinazione dell’intensità emotiva e autoespressiva degli espressionisti tedeschi con l’estetica anti-figurativa delle scuole di astrazione europee come il Futurismo, il Bauhaus e il Cubismo sintetico.

In pratica, il termine viene applicato a tutti quegli artisti operanti a New York nell’immediato dopoguerra con differenti stili, e perfino il cui lavoro non è né particolarmente astratto né espressionista. L’action painting energica di Pollock, è tecnicamente ed esteticamente molto differente dalla violenta e grottesca serie di donne di Willem de Kooning (che non è particolarmente astratta) e dai luccicanti blocchi di colore delle opere di Mark Rothko (che non sembrano particolarmente espressioniste) e le vedute malinconiche di Venezia di William Congdon, tuttavia tutti e quattro vengono considerati espressionisti astratti.

L’espressionismo astratto ha delle caratteristiche comuni, ad esempio la predilezione per le ampie tele in canapa, l’enfasi per superfici particolarmente piatte, ed un approccio a tutto campo, nel quale ogni area della tela viene curata allo stesso modo (per esempio, al contrario, alcuni stili prediligono concentrare la raffigurazione nell’area centrale rispetto ai bordi).

Come prima originale scuola di pittura in America, l’espressionismo astratto dimostrò la vitalità e la creatività del paese negli anni del dopoguerra, tanto quanto il suo bisogno (o abilità) di sviluppare un senso estetico che non fosse ristretto negli standard europei di bellezza.

Il movimento attrasse l’attenzione, nei primi anni cinquanta, della CIA. Vi videro un mezzo ottimale per la promozione dell’ideale statunitense di libertà di pensiero e di libero mercato, uno strumento perfetto per competere sia con gli stili del socialismo realista prevalente nelle nazioni comuniste, sia con il mercato dell’arte europea, allora dominante.

Dal 1960, la corrente perse d’impatto e non fu più a lungo tanto influente. Alcuni movimenti, come la pop art e il minimalismo, furono una controrisposta e una ribellione verso quello che l’espressionismo astratto aveva generato. Ad ogni modo, molti pittori, come Fuller Potter, che aveva creato opere espressioniste astratte, continuarono a lavorare su questa linea per molti anni ancora, a volte estendendo ed espandendo le implicazioni estetiche e filosofiche di questa ricerca artistica.

Fonte testi: Wikipedia